jueves, 12 de julio de 2018

Ornette Coleman y la génesis del free jazz

Hoy nos han llegado algunos de los discos del saxofonista Ornette Coleman que faltaban en nuestra colección. Coleman, fue el padre del controvertido estilo free jazz –jazz libre–, cuyo nombre proviene del álbum de idéntico título grabado por el propio Ornette Coleman y su doble cuarteto el 21 de diciembre de 1960. En la toma principal de esta sesión, de casi cuarenta minutos de duración, los ocho músicos improvisaron libremente de manera colectiva, sin reglas ni estructura preestablecidas. Los músicos se escuchaban mutuamente mientras improvisaban, surgiendo ideas que difícilmente aparecerían de otro modo. Sin embargo, como podéis suponer, este disco no es ni mucho menos de fácil escucha. Requiere estar atento a lo que aporta cada uno de los ocho músicos simultáneamente, ya que tal y como señala el musicólogo Charles Hamm, «para el oyente educado en el jazz convencional o la música tradicional, esta música sólo representa el caos[, mientras que] para el oyente avezado, se trata de un collage fascinante y novedoso, rico en detalles, que varía en cada escucha, de acuerdo con el instrumento o los instrumentos a que preste mayor atención en cada momento».

Por supuesto, además de esta obra, os recomendamos escuchar los cinco discos anteriores grabados por Ornette Coleman, en los que, partiendo de un estilo más cercano al bebop de la época, como puede escucharse en el álbum Something Else!!!! de 1958, la atonalidad se va haciendo cada vez más presente en las improvisaciones de Coleman al saxo alto y de su acompañante Don Cherry a la trompeta. En este sentido, The shape of jazz to come de 1959 representa un punto de inflexión. Entre nuestras favoritas, se encuentran «Una muy bonita» del álbum Change of the century, grabado también en 1959, y «Kaleidoscope» del álbum This Is Our Music, grabado poco más de dos meses antes de la sesión de grabación del álbum Free jazz. Sobre todo en esta última, quedan fuera de toda duda la tremenda habilidad de Coleman para improvisar con la ayuda de su saxofón.




domingo, 8 de julio de 2018

¡Hola a todos!

Tras varios años de descanso en lo que al blog se refiere, pero con una cantidad considerable de horas invertidas en el estudio y disfrute de este arte (y es que ya son diez años desde que escuché mi primer disco de jazz moderno), me he animado a crear una página de Facebook y una cuenta de Instagram de Take the "Jazz" Train.

Mi afición al jazz comenzó hará unos diez años, unos meses antes de la creación de este blog, en el que tuve la oportunidad de reflexionar sobre lo que iba descubriendo, de ampliar mis horizontes y de aprender de personas mucho más entendidas que yo.

Quisiera agradecer a todos los que me apoyasteis en su momento y a todos los que os molestabais en leer mis entradas.

Podéis encontrarme en:

  • Facebook: https://www.facebook.com/takethejazztrain/
  • Instagram: @takethejazztrain

Un abrazo.

sábado, 1 de junio de 2013

John Coltrane - Selflessness

El álbum Selflessness de John Coltrane fue editado en 1969, dos años después de la temprana muerte del saxofonista. Incluye material que era inédito hasta dicha fecha; dos temas grabados en directo en el Festival de Jazz de Newport el 7 de julio de 1963 y un tema grabado en Western Recorders el 14 de octubre de 1965.

John Coltrane - Selflessness

-Componentes:

John Coltrane (saxofón tenor, saxofón soprano)
Pharoah Sanders (saxofón tenor; pista 3)
Donald Garrett (clarinete bajo, contrabajo; pista 3)
McCoy Tyner (piano)
Jimmy Garrison (contrabajo; pistas 1-2)
Roy Haynes (batería; pistas 1-2)
Elvin Jones (batería; pista 3)
Frank Butler (batería, percusión; pista 3)
Juno Lewis (percusión; pista 3)

-Listado de temas:

01 - My Favorite Things (17:32)
02 - I Want To Talk About You (8:19)
03 - Selflessness (14:48)

Las dos primeras grabaciones son dos nuevas versiones en directo de dos de los temas más interpretados del cuarteto clásico de John Coltrane, a pesar de que esta vez fue un fantástico Roy Haynes el que se sentó en el intocable lugar de Elvin Jones. "My Favorite Things" era simplemente perfecto para que John Coltrane pudiera desarrollar su improvisación modal con el saxofón soprano. Por otro lado, "I Want To Talk About You" contaba con el típico y larguísimo break final de John Coltrane. Un maravilloso ejemplo de este último ya fue inmortalizado en el disco Live At Birdland, grabado también en otro concierto de 1963. Coltrane no dejaba de demostrar una y otra vez que los métodos de improvisación que estaba perfeccionando no tenían límite alguno.

Sin embargo, no fue hasta dos años después cuando el saxofonista grabó "Selflessness" en compañía de Pahorah Sanders, Donald Garrett, McCoy Tyner, Elvin Jones, Frank Butler y Juno Lewis. Este tema era fiel al Free Jazz espiritual que el saxofonista de Carolina del Norte estaba desarrollando por aquel entonces. Una vez más, John Contrane buscaba ese estado alterado de conciencia mediante la música, como si de una avanzada técnica de meditación se tratara.

viernes, 17 de mayo de 2013

John Coltrane - Om

Regresamos después de mucho tiempo con la figura más relevante del movimiento Free Jazz de la segunda década de los 60, John Coltrane. En concreto, la meta de nuestro viaje es el primer día de octubre de 1965. Este día, los cuatro componentes del cuarteto clásico grababan Om junto a Pharoah Sanders, Donald Garrett y Joe Brazil.

John Coltrane - Om

-Componentes:

John Coltrane (saxofón tenor, saxofón soprano)
Pharoah Sanders (saxofón tenor)
Donald Garrett (clarinete bajo)
Joe Brazil (flauta, percusión)
McCoy Tyner (piano)
Jimmy Garrison (contrabajo)
Elvin Jones (batería)

-Listado de temas:

01 - Om (28:56)

Om se trata de un trabajo de Free Jazz en el que John Coltrane y el resto de músicos improvisan sumergidos en un ambiente lleno de espiritualidad. Om, que en el hinduísmo hace referencia al primer y más absoluto de los sonidos, fue descrito así por el mismo Coltrane:

"Om significa la primera vibración (ese sonido, ese espíritu que establece la existencia de todo lo demás). Es La Palabra de la que todo hombre y cosa proviene, incluyendo todos los posibles sonidos que dicho hombre puede vocalizar. Es la primera sílaba, la palabra primaria, la palabra del Poder."

Durante casi media hora, y entre oraciones sagradas dedicadas al más divino de los sonidos, los siete músicos realizan su propia práctica espiritual, dando lugar a una grabación saturada de sonidos de todo tipo en la que los solos de John Coltrane y McCoy Tyner siguen teniendo su espacio sagrado.

La entrega total de los músicos, así como la técnica empleada, es completamente indudable. Sin tratarse de una de las obras más conocidas ni más valoradas de John Coltrane, pienso que cualquiera de sus admiradores querría escucharla, como ocurre con todas y cada una de las notas que este saxofonista grabó.

La etapa posterior a la grabación de A Love Supreme es para muchos la más interesante y misteriosa en la obra de John Coltrane, si bien es cierto que el propio Trane afirmaba por estas fechas que no era capaz de saber qué era lo que los oyentes sentían al escuchar la música que él estaba haciendo.

domingo, 28 de abril de 2013

Miles Davis - Bitches Brew

Los últimos discos comentados en Take The "Jazz" Train llevaban la etiqueta de Jazz Fusión. Sin embargo, algunos se preguntarán con razón: ¿Es esto Jazz? ¿Se trata de Rock? ¿De dónde viene todo esto? Una de las mayores pistas para resolver estas preguntas se encuentra en Bitches Brew, un álbum doble grabado por Miles Davis en el año 1969.

Miles Davis - Bitches Brew

-Componentes:

Miles Davis (trompeta)
Wayne Shorter (saxofón soprano)
Bennie Maupin (clarinete bajo)
Joe Zawinul (piano eléctrico)
Chick Corea (piano eléctrico)
Larry Young (piano eléctrico; pistas I.1, II.1)
John McLaughlin (guitarra eléctrica)
Dave Holland (contrabajo)
Harvey Brooks (bajo eléctrico)
Lenny White (batería; pistas I.1, I.2, II.1, II.2, II.4)
Jack DeJohnette (batería)
Don Alias (batería, percusión)
Jumma Santos (percusión)

-Listado de temas:

Parte I

01 - Pharaoh's Dance (20:04)
02 - Bitches Brew (26:58)

Parte II:


01 - Spanish Key (17:31)
02 - John McLaughlin (4:22)
03 - Miles Runs The Vodoo Down (14:01)
04 - Sanctuary (10:57)

Tras la grabación de Kind Of Blue, grandes músicos fueron formando parte del grupo de Miles. Pero no fue hasta cinco años después cuando se consolidó el segundo gran quinteto de Miles Davis, formado por el saxofonista Wayne Shorter, el pianista Herbie Hancock, el contrabajista Ron Carter y el baterista Tonny Williams, además del propio Miles. Empezando por E.S.P., este quinteto grabó varios álbumes que podrían enmarcarse dentro del género Post-Bop, hasta que, en 1968, la música de Miles dio un giro hacia lo "eléctrico".

Después de grabar Filles De Kilimanjaro, álbum de transición entre ambos géneros en el que Miles apostó por los sonidos del bajo eléctrico y del piano eléctrico, llegó el momento de In A Silent Way, álbum que marcaba el inicio de esta etapa eléctrica de Miles. En esta obra, Miles decidió incluir la guitarra eléctrica de John McLaughlin, iniciando un nuevo rumbo hacia la fusión y creando Bitches Brew unos pocos meses después.

Bitches Brew es, sin duda alguna, una de las obras más influyentes de Miles. Nunca antes se había grabado algo así. Las innovadoras grabaciones de este álbum suponían un infinito abanico de posibilidades tanto para Miles como para el resto de los músicos. Incluso el sonido de la trompeta de Miles era completamente nuevo. El músico y escritor Ian Carrer, se refería así al solo de trompeta de Miles Davis en "Miles Runs The Voodoo Down":

"Su tono aparece más vocalizado que nunca, llevando a pensar en el lloro de un ser humano. Tras el inicio pausado, Miles desarrolla sus ideas mediante unas frases en picado que alternan entre la escala de Blues y el cromatismo. Amén de efectuar varias incursiones espeluznantes en los registros superiores, su interpretación cobra vida en forma de gruñidos, ceceos, espacios, gritos, líneas prolongadas y frases cortas y tensas. Su trompeta ha alcanzado un nivel fantástico, en gran parte gracias a ese sentimiento incendiario que Miles parece apenas poder controlar."

La atmósfera de fusión repleta de detalles de Jazz Modal, Free-Jazz y Rock que Miles Davis había creado en Bitches Brew, influyó masivamente en el trabajo de varios de estos músicos, que posteriormente crearían sus propios grupos de Jazz Fusión. Esos grupos no son otros que Weather Report (Joe Zawinul y Wayne Shorter), Return To Forever (Chick Corea y Lenny White) y Mahavishnu Orchestra (John McLaughlin).


viernes, 29 de marzo de 2013

Al Di Meola - Elegant Gipsy

Tras abandonar Return To Forever en 1976, el guitarrista Al Di Meola grabó varios discos como líder, entre los cuales destaca Elegant Gipsy, una de las obras más relevantes de Jazz Fusión. Grabado en 1977, Elegant Gipsy, se trata sin duda alguna del trabajo más famoso de este virtuoso guitarrista.

Al Di Meola - Elegant Gipsy

-Componentes:

Al Di Meola (guitarra eléctrica, guitarra acústica, piano, sintetizador, percusión)
Paco De Lucía (guitarra acústica; pista 3)
Jan Hammer (teclado, sintetizador; pistas 1, 6)
Barry Miles (piano, teclado, sintetizador; pistas 2, 4)
Mingo Lewis (Sintetizador, órgano, percusión; pistas 1, 2, 4, 6)
Anthony Jackson (bajo eléctrico)
Steve Gadd (batería; pistas 1, 6)
Lenny White (batería; pistas 2, 4)

-Listado de temas:

01 - Flight Over Rio (7:16)
02 - Midnight Tango (7:28)
03 - Mediterranean Sundance (5:15)
04 - Race With Devil On Spanish Highway (6:18)
05 - Lady Of Rome Sister Of Brazil (1:46)
06 - Elegant Gipsy Suite (9:16)

El Gitano Elegante (esta sería la traducción del disco) contiene temas que fusionan el Jazz, el Rock, el Flamenco y la música latina de una manera muy ingeniosa, desde "Flight Over Rio" hasta "Elegant Gipsy Suite", un tema que contiene extraordinarios solos de Al Di Meola con la guitarra eléctrica y de Jan Hammer con el teclado.

El álbum incluye "Mediterranean Sundance", un tema acústico a dúo con el guitarrista español de Flamenco Paco De Lucía. Éste es el tema más conocido del disco, y sería interpretado en vivo múltiples veces por Meola junto al propio De Lucía, acompañado en ocasiones por otro gran guitarrista de la época, John McLaughlin. Otro tema acústico más tiene lugar en el disco, "Lady Of Rome Sister Of Brazil", interpretado esta vez por Al Di Meola exclusivamente.

Finalmente, un "Midnight Tango" repleto de belleza y "Race With Devil On Spanish Highway", que destaca por su energía y rapidez, completan esta obra de gigantesca calidad.


lunes, 25 de febrero de 2013

Return To Forever - Romantic Warrior

Llegamos al quinto álbum de la banda Return To Forever. Fue grabado en 1976, un año después de No Mystery, y un año antes de Musicmagic, el último álbum de la banda. Nos encontramos muy posiblemente, ante el mejor disco que Return To Forever haya grabado jamás, y no precisamente por demérito del resto.

Return To Forever - Romantic Warrior

-Componentes:

Chick Corea (piano, piano eléctrico, órgano, percusión)
Al Di Meola (guitarra eléctrica, guitarra acústica)
Stanley Clarke (contrabajo, bajo eléctrico)
Lenny White (batería, percusión)

-Listado de temas:

01 - Medieval Overture (5:14)
02 - Sorceress (7:34)
03 - The Romantic Warrior (10:52)
04 - Majestic Dance (5:01)
05 - The Magician (5:29)
06 - Duel Of The Jester And The Tyrant (Part I & Part II) (11:26)

He de reconocer en primer lugar que los instrumentos que aparecen mencionados en el libreto del CD que tengo entre mis manos son muchos más que los que aparecen arriba. Esto tiene una fácil explicación: la obsesión por la innovación de Chick, Stanley, Al y Lenny supera tanto mis conocimientos de música como mis conocimientos de inglés.

Partimos el viaje con una obertura medieval, la cual ha sido empleada para iniciar los conciertos de la reciente gira de Return To Forever IV. A continuación, "Sorceress" (un tema compuesto por Lenny White) nos muestra que este disco presenta nuevos ingredientes respecto a No Mistery. Esto queda automáticamente confirmado al alcanzar la tercera pista: "The Romantic Warrior".

"The Romantic Warrior", de Chick Corea, es simplemente una de las mejores composiciones musicales que he escuchado, convertida en uno de los mayores referentes del Jazz Fusión. Tras una interesante introducción, se nos presenta un estribillo que sonará entre los magníficos solos de Stanley Clarke, Al Di Meola y Chick Corea.

Otro de los platos fuertes de este álbum repleto de fusión de Jazz y Rock, es "Duel Of The Jester And The Tyrant", tema compuesto de dos partes, donde podemos escuchar lo mejor de cada integrante del grupo.